当艺术展成为奢侈品推广的常态

　　Daphne Guinness戴着面纱像中世纪的公主，在她的坟墓前躺着，死寂般平静，只有一只带着铠甲“手套”的手在颤抖着。最近在伦敦举行的这个活动，Guinness女士和珠宝商Shaun Leane之间的合作是一个极端追求时尚的活动，她把自己作为展览品，代表了现在时尚与艺术之间的纽带关系。

　　无疑，时尚已经成为大赢家，也是展览会的造钱机。世界各地任何时刻至少有十几个博物馆提供给主流时尚展示的舞台——更不用提那些在画廊或者甚至在百货公司里举办的展示了。这个夏季，时尚奢侈品牌的展览层出不群，尤其热闹。

　　尽管时尚已被证明是博物馆的伟大蓝图，但它真值得这样展示么？

　　盛夏大牌环球作秀忙

　　此时此刻，一个私人摄影展在伦敦Somerset House展出：“大师风范”，用意大利时尚产业标志性的广告活动的照片——从Armani到Ferragamo再到Prada来纪念意大利统一150周年，将在8月14日落下帷幕。

　　在巴黎装饰艺术博物馆将有概念设计师Hussein Chalayan的展览开幕，展览将持续到11月21日，将有一件与Swarovski（施华洛世奇）合作的服装，具有神奇的激光功能。

　　Valentino可能是数字展览的先驱，最近的一次展览提供了一个在线探索服装设计师时尚历程的活动。

　　将持续到10月9日的高级定制女装系列（Haute Couture）将在凡尔赛的大特里亚农宫里庆典展览——“重返18世纪时装”。庆典由Olivier Saillard担任策展人，秀演将展示当今的设计师，从Jean Paul Gaultier到Vivienne Westwood，还有传统服装和配饰。

　　时装艺术展无所不在。这一全球现象包括Alexander McQueen在纽约大都会艺术博物馆上演的“Savage Beauty（野性美）”秀演，由于大受欢迎延期至8月7日结束。那里是时装展览会的发源地，在当时博物馆馆长Philippe de Montebello和Diana Vreeland的管理下，在1983年对Yves Saint Laurent进行了研究——成为有史以来的第一个为还活着的设计师在博物馆里举办的服装秀。

　　蒙特利尔美术博物馆上演的Jean Paul Gaultier服装秀“从时装T台到人行道”将延续到10月2日，代表着这位标新立异的设计师35年的时尚生涯。馆长Nathalie Bondil坚定不移地独立策划和资助秀演，并预定将巡游世界进行展出——从达拉斯、旧金山穿越马德里和鹿特丹。巡回展出的现象，起到了极大的全球影响力，是博物馆世界里另一个拓展方向。

　　去奢侈品最大的市场展出

　　时尚真值得展出吗？而且，更重要的是，有没有明确的标准，对各种各样的秀演进行评断？

　　7月24日之前，人们涌入莫斯科普希金博物馆为了看一场“Inspiration Dior（灵感迪奥）”。它由Dior公司策划，将时尚与现代艺术主流作品作比较。在上海，有异曲同工之妙的“文化Chanel”，把展品与现代主义展览相融合，10月活动就将

　　移师北京。

　　这样自筹资金的展览不是纯粹的宣传——他们有一个艺术基础。但他们也强调一个品牌的历史，用世界上最大的奢侈品市场产品来教育民众。

　　博物馆展览的发展只是这千年内时尚本身发生变化的缩影。随着技术发展、即时图像和全球参与度的影响，时尚已从小众喜爱的群体发展到“万人迷”——甚至成为了一种娱乐——对每个人来说。正如巴黎装饰艺术博物馆馆长Beatrice Salmon说的，“之所以有那么多展览是因为时尚始终吸引了大批观众。”

　　博物馆从某些方面改变了设计师对待他们自己的档案室。西班牙Getaria的一家新博物馆是Cristóbal Balenciaga的发源地，里面的礼服都有自己的主人，其中有些人在今年夏天的开幕式上出现过。Hubert de Givenchy是Balenciaga博物馆背后的力量，花了十年时间说服那些女士来捐赠服装。

　　编辑Hamish Bowles则略有不同。Hamish Bowles去年在纽约及最近在旧金山德扬博物馆举办Balenciaga的展览。Bowles先生曾去过现任Balenciaga的设计师Nicolas Ghesquière的档案室。但作为旧金山博物馆的客席策展人，他与博物馆的档案人员及其他出借服装的人一起办展。

　　现在，所有的品牌都在不断从过去汲取经验发展现在——至少因为那些历史是灵感的来源。Gucci 9月将在佛罗伦萨开一个专用的博物馆。现任设计师Frida Giannini说这个博物馆将是在一个15世纪的建筑里，那里以前是她的办公室。博物馆将“融合时尚与艺术”。

　　值得注意的是，意大利大师Giorgio Armani 2000年在纽约Solomon R. Guggenheim 博物馆的展览引起了争议，因为设计师就是服装的捐献者。巴黎Les Arts Décoratifs首席艺术馆长看到这个展览就是“改变现状”的一个例子。

　　值得商榷的客观性

　　然而一个简单的问题摆在面前：时尚展览要展出什么？其中隐含的问题是：谁将成为星火相传的人，尤其对于还活着的设计师来说？一个独立的博物馆馆长应采取客观的参与，还是与设计师协同工作？公司举办一场展览是否能被认为是客观的？

　　Victoria和Albert博物馆资深时尚策展人Claire Wilcox讲述了她一生举办展览的经验，并说她让自己采取传统的方法进行“多年的研究”。因为博物馆重视艺术品和手工艺品，策展人同样需要参与纺织品的保护和在这一领域里的创新。她还注重目录和网上获取的图片，这是因为她在与“世界上最美妙的收藏”打交道，她开始“理解设计词汇中的含义”。

　　相比之下，由Wilcox女士在2007年策划的“时装的黄金时代”，展览从历史的角度，提出了一个技术点——V&A公关策划主任Damien Whitmore说，博物馆需要承担一部分责任。Whitmore先生说：“我们的重点是策划，因为我们展出的产品系列是多种多样的。”他已经在世界各地举办过100个各种大小的展览了。

　　赞助这方面是微妙的。因为博物馆缺少资金，几乎大多数时尚展览都会引入一些外部投资。Saillard先生甚至对赞助商感到沮丧——时尚界或艺术界——总是同样被大博物馆所吸引，即使博物馆创作团队做着研究，但这些有钱的品牌也不会尝试资助博物馆。令馆长懊恼的是，像LVMH集团和PPR这样的奢侈品集团就投资当代艺术项目，而非时尚博物馆。

　　在蒙特利尔，Bondil女士坚持“博物馆不是一个陈列柜。”她说：“独立有时是昂贵的，但自由是无价的。我讨厌‘大片’这个词。如果把我们与电影比较，我们属于独立的环节——而不是好莱坞的一部分。回想第一次在旧金山举办的Yves Saint Laurent展览，我坚持要有独立的策展人和专家。在我的印象中，不能相信没有独立前景的展览还是一个活跃的商业品牌。”