关于现代水墨的两种探索——策展人导读 

师界弘和曾翔都是在各自领域取得了一定成就的艺术家，此次二人联展，将他们在水墨创作领域上的近期研究成果集中展示。展览名称借用了二位艺术家此前的个展名——“尚道”、“如也”串联而成，标志着此次展览，既是联展，也是双个展。

艺术家师界弘着眼于传统水墨材料与现代图像的个性化融合，其中，民居作为一个主要母题时常出现。这与她的成长经历有关，亦契合于她的气质。在她的画面里，时常笼罩着一种氤氲的感觉，朦胧而混沌。当观者的眼光随之流转，又能体会到其中交错的光感与透明感，伴随着叠落纵横的民居，在穿插或攀升的精心安排中，抽象出了某种崇高和精神性。其旨在表现的，是创作者对家乡、对生活的独特感受。这一切，融合在她诗意的笔下，流露出某种苍茫和神秘的隽永之意。

在此次展出的作品中，我们可以看到师界弘在根植古人传统的基础上，以积墨法、积水法，结合“湿画”的方式，进一步强化了温润的意境。与此同时，她大胆借鉴了其他艺术门类的语言特点，如糅合西画的光感、摄影的戏剧张力，并吸收工笔、版画、壁画、水彩等多样的表现技法，进行了个人的探索和实验。

她的有些作品采用了一种带有肌理、经过特殊处理的宣纸。这是她借用了碑帖拓印的方式，以赭石、天青等国画颜料拓印住所周围的树木、石头。艺术家躬身实践这一行为，也是创作的一环：一方面，将自然存在的痕迹停留在了宣纸上；另一方面也借由个人之于树木、石头的拓印行为，象征和联系着人类与自然之间的主被动关系。而随后，在这种特殊宣纸上完成创作，甚或选取了非传统图像，如“鲸鱼”等，承载着她就生态、自然、以及人类在其中应充当何种角色的反思。从本质上讲，这也是她对“理想家园”的艺术建构。

曾翔则展示了一批以线条、点画和非具象图形构成，不着他色、只依靠笔墨在宣纸上表现的作品。密集排列的线条，看似无序的黑白分布，时而夹杂着不规则的图形和恣意的皴染，都与他近年在绘画上的思考息息相关。

他所感兴趣的，是捕捉创作主体当下的思想和意念，以及以何种方式去表达的问题。后来，他将这种探索取名为“意即”。简言之，是在于意念的即刻呈现。

非具象的表达更有利于接近顷刻间的感受，那些原始的混沌，随着时间线性波动。而作为一个书法家，对毛笔纸墨的熟稔和对线条点画的敏感是根植在骨髓中的，于他而言，这也是最能够表达思想的工具。如此，便有了这样的作品面貌。在他的画中，具象的缺席意味着浪漫想象和无尽诗意的登场。

我们不能依据传统的审美经验尝试在他的作品中找寻确定的指涉，因为图像的文学性和叙事性不再作为表达的重点；同理，寻觅普遍的定式型美感也只是徒劳。艺术家想要挑战的，是非具象图形传递感觉和思想的可能，以及最大程度上开放作品释读的可能。如果足够细心，你会发现他未在任何一幅作品上落款、盖章。艺术家在此的“反叛”，是为了去除了一切提示性的线索，消解作品之外、图像之外的“解读钥匙”。从而将释读的主动权，最大程度地交给观者。

实际上，他也未曾在展陈布置上加以指导，作品的安排摆放，都是经由工作人员根据自己的理解，进行“二次创作”的结果——由于其非具象的特点，方向和展示的差异对画面呈现出的最终效果有着很大影响。我们对待这些作品的最好态度，或许是放逐式的，任自己的眼光和思想流转其中，随之运动、徘徊；又或许是游戏式的，唤起幼时的好奇心，徜徉在这无序的画面里。

总而言之，二位艺术家各自探索，呈现出不同的创作思路与理念，将他们的作品并置于此，可以发现一些有趣的碰撞：彩色与黑白、朦胧与清晰，具象与非具象……无论是外在世界的呈现，还是内在精神的表达，都对应了创作者的情绪、情感与哲学观。诉诸于视觉，又接引着观者遐想，让宣纸上的水墨摆脱程式的窠臼，萌发新的生命力。